Svay Sareth est célèbre pour son exploration profonde de thèmes tels que l'identité, la mémoire et l'histoire socioculturelle du Cambodge, en particulier au lendemain de la deuxième guerre d'Indochine qui a conduit à un génocide et à une guerre civile prolongée. Sa pratique artistique est multidisciplinaire et couvre la performance, la vidéo, la sculpture et l'installation. Elle est marquée par un mélange unique d'humour fantaisiste et de réflexions sombres sur le traumatisme, l'histoire et l'identité. L'art de Sareth incorpore souvent des histoires personnelles pour parler des histoires individuelles et collectives, créant ainsi un dialogue entre le passé, le présent et l'avenir du Cambodge et le récit historique plus large qui opère visuellement pour illustrer le petit qui est grand. Asura Sunflower de Sareth, une série de sculptures souples en cours qui incorpore du coton imprimé camouflage, du kapok et des coutures ornementales ludiques, illustre ces thèmes. Ses précédentes séries de sculptures souples comprennent des œuvres telles que Toy (Churning of the Sea of Milk) (2013) et Ruins (2014). S'inspirant des figures mythologiques hindoues et bouddhistes en ruine des Asuras qui ornent les portes d'Angkor Thom, ce Tournesol Asura sans corps incarne, dans la vision du monde bouddhiste, les “trois racines malsaines” moha (illusion), lobha (avidité ou attachement sensuel) et dosa (aversion) qui conduisent à la souffrance et à la destruction. En tant que telle, l'œuvre rappelle brutalement les conséquences destructrices de ces forces : elles peuvent également expliquer les conflits mondiaux qui continuent de façonner notre monde aujourd'hui.

À un niveau plus personnel, Asura Sunflower reflète la propre expérience de Svay en tant que témoin et survivant du génocide cambodgien et de la guerre civile, la douleur infligée à son corps et au corps de sa patrie par les catastrophes fabriquées, comme les points de suture qui ornent la peau camouflée de la sculpture pour représenter les traces ou les cicatrices. En mêlant des formes d'art traditionnelles cambodgiennes à des méthodes contemporaines, l'œuvre témoigne de la résilience du peuple cambodgien qui, malgré les horreurs de la guerre et du génocide, a réussi à réprimer sa colère et sa haine pour pardonner et reconstruire sa nation, à l'instar d'Angkor qui a traversé le temps et la tourmente. Ce thème de la résilience est encore souligné par la référence de l'œuvre au rapatriement au Cambodge d'objets culturels pillés et décapités provenant du monde entier. Cet acte symbolise la restauration et le renouvellement de l'identité culturelle et de l'âme d'une nation, comme l'or scintillant qui ponctue le Tournesol Asura, rendant l'œuvre plus visible et plus puissante. Les ornements dorés de la sculpture évoquent un sentiment de renouveau, suggérant que l'ancien peut redevenir neuf et pertinent, tout comme le peuple cambodgien lui-même l'a fait en se remettant des traumatismes du passé. Asura Sunflower évoque ainsi les luttes personnelles et collectives du peuple cambodgien et constitue un exemple puissant de la manière dont l'art peut fonctionner comme une forme de catharsis aidant les individus et les communautés à surmonter les traumatismes, à célébrer leur identité et à honorer leur héritage culturel. Grâce à son utilisation innovante des matériaux et des thèmes, le travail de Sareth met en lumière la possibilité de guérison et de transformation pour les individus et les nations..

Yim Maline est une artiste cambodgienne dont la pratique dynamique englobe des dessins méticuleux au graphite et des sculptures percutantes. Ses fondements conceptuels découlent d'un engagement profond avec les souvenirs de son enfance pendant la guerre civile cambodgienne post-génocide. Cette histoire personnelle sert de catalyseur pour explorer les répercussions durables et complexes de cette période sur l'environnement naturel, les vies individuelles et les structures sociétales. La manipulation ambitieuse et habile des matériaux par Maline provoque une réflexion critique, tandis qu'un sentiment sous-jacent de tension et d'incertitude remet en question les perspectives conventionnelles.

Elle a participé à de nombreuses expositions collectives, dont “Futurographies : Cambodia - USA - Paris” et “And that that was always known” à la Yavuz Gallery, Singapour (2015). Maline a également effectué des résidences au Japon (2017), au Jose Arts Lab, à Johannesburg, en Afrique du Sud (2016), au Vermont Studio Center, VT, aux États-Unis (2015), et au Bose Pacia Transparent Studio, à New York (2013), dans le cadre du programme IN RESIDENCE de Season of Cambodia..